KUBRICK: EL RESPLANDOR DEL CINE

STANLEY KUBRICK:
Este futuro director de cine nace en Nueva York en 1928. Desde joven destacan en él 3 aficiones que serán importantes en su carrera cinematográfica: la fotografía, la música de jazz y el ajedrez.

 Max Ophüls y Sergei Eisenstein fueron dos grandes directores en los que se fijó el joven Kubrick para realizar sus primeros trabajos cinematográficos y en los que perdió el dinero invertido: uno fue un documental de 13 minutos sobre un

boxeador de la época y el otro lo que hoy se considera su primera película, El Beso del Asesino de 1955 que produce, dirige y edita; esta película no da beneficios pero hace que un productor de la época, James B. Harris, se fije en el bisoño director.

La unión con Harris da como resultado una de las grandes películas de Kubrick, Atraco Perfecto de 1956, con un importante presupuesto y con algunos de los grandes actores de la época, entre los que destaca Sterling Hayden. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época.De alguna forma la película recuerda una partida de ajedrez por la originalidad de su montaje.

El éxito obtenido por Kubrick atrae hacia él a otros productores y, sobre todo, a uno de los más importantes actores de la época, Kirk Douglas,con el que filma una de las primeras películas antibelicistas de la historia del cine, Senderos de Gloria de 1957. Una obra llena de polémica, sobre todo en Francia donde estuvo prohibida durante décadas, ya que los soldados a los que se refiere el film son franceses.

Un descanso de Espartaco

Pero Stanley Kubrick llega, realmente, al estrellato cuando completa la dirección de la película Espartaco de 1960, de nuevo con Kirk Douglas como protagonista. Una película que gana varios Oscar de la Academia y que llega a todos los rincones del mundo.

Lolita

Los intereses comerciales de la época lo llevan a rodar Lolita de 1962, una obra de Nabokov con mucha polémica porque narra la relación de una menor con un seductor hombre maduro (gran interpretación de James Mason). Una obra maestra que no envejece nada, te lo puedo asegurar, y con una interpretación, la de Shelley Winters que no hay que perderse.


Gracias al éxito obtenido por Lolita el realizador se decide a rodar una película con temática más arriesgada, políticamente hablando,la crisis de los misiles en Cuba titulada ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú de 1964. Es curioso como esta película va girando hacia aspectos más cómicos, a pesar del trasfondo de guerra nuclear entre bloques de la cinta. Sin olvidar que Peter Sellers realiza tres papeles diferentes.


Pero es en 1968 cuando Kubrick alcanza la cumbre de su carrera con 2001: Una Odisea en el Espacio; la película, basada en un relato corto de Clarke, no sólo eleva el género menor de la ciencia ficción a gran género cinematográfico sino que es capaz de narrar una audaz parábola sobre la evolución humana: una elipse de 4 millones de años. Con unos efectos especiales, sin precedentes hasta el momento, Kubrick realiza una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine.

Stanley Kubrick dedicó gran parte de sus ratos de ocio, entre película y película, a preparar un gran proyecto cinematográfico, nunca realizado, sobre Napoleón. De todas formas algunos trabajos de preproducción sobre Napoleón si le sirvieron de base para otra de sus grandes obras: Barry Lindon de 1975, una obra maestra ambientada en 1885 en la que cada plano es un verdadero cuadro costumbrista, interpretada por Ryan O`Neal y Marisa Berenson.

En estos años Kubrick recibe el regalo de un libro de Anthony Burgess que lee de un tirón y que, ipso facto, decide llevar a la gran pantalla. El título es La Naranja Mecánica de 1971 que narra las correrías de Alex, un joven violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven. Con esta película Kubrick pone en práctica innovaciones técnicas como el uso de lentes más rápidas o cámaras ligeras de mano así como el uso de micrófonos en el propio set de rodaje. 

Esta también fue una película con polémica que, a pesar de ganar varios Oscar, no despegó en taquilla; de todas formas es una película que, con los años ha sido muy revisada y muy valorada por el gran público. Desde luego, aunque puede costar verla, no sólo por las escenas de violencia sino porque parece un documental, yo considero que si te gusta algo el cine es obligado "sufrirla" en tus carnes y no perderte ni un segundo del metraje. Seguro estoy, que aunque te cueste verla en algún momento, tu opinión sobre ella irá cambiando con el paso del tiempo hasta que la consideres una obra imprescindible de la historia del cine. Desde luego en los años posteriores a su estreno estuvo prohibida en países como Inglaterra (¿cuna de la democracia?) donde las "mentes bienpensantes" no podían permitir algo así.

Kubrick rueda en 1980 una obra del autor más comercial del momento en historias de terror, Stephen King, titulada El Resplandor con Jack Nicholson. Una obra muy criticada, al principio, por los especialistas pero que con los años han tenido que claudicar ante el gran éxito de público de esta cinta que está considerada como una de las mejores películas de "miedo miedo" de todos los tiempos.

A tí posible lector de este blog te digo que, si no las has visto -cosa que dudo-, corras a por una copia y en una noche oscura te arrellanes en tu mejor sillón preparado para disfrutar de una gran historia sobre la locura humana. Que la disfrutes y no olvides que yo, si es verdad que no la has visto, te envidio por el disfrute que te espera...yo la he visto muchas veces y casi me sé de memoria la mayoría de sus diálogos, pero nada que ver con la primera vez que la ví.

"Kubrick se propuso rodar la esquizofrenia, asomarse a los abismos interiores, y a fe que lo logró. El relato de Stephen King fue trasladado a la pantalla con una narración inquietante y, por momentos, angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia en la oscuridad para provocar miedo o tensión. Como muestra: pocas veces en la historia del cine una simple escena como un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, provocó un suspense tan extraño, tan inquietante, tan sobrecogedor". (Crítica de FilmAffinity)

Stanley Kubrick siguió dirigiendo hasta su muerte en 1999, llevó al cine todavía grandes películas como La Chaqueta Metálica  y algunas otras pero mi trabajo sobre él termina aquí. Dejo de lado muchos datos y aspectos de su vida personal y creadora así como las músicas excelentes que usa en su cine pero es que no es mi intención cargar indefinidamente de datos este trabajo, si tienes más interés desde luego hay mucha bibliografía sobre este gran creador del cine moderno. Yo sólo quiero acercarte a él para que tú llegues hasta donde creas oportuno.

La mayoría de los directores se han especializado en géneros concretos, los hay que son especialistas en el género de aventuras, los hay que lo son en el melodrama o en el cine de suspense, pero Stanley Kubrick ha sido el único gran director de cine capaz de hacer una serie de obras maestras pertenecientes, cada una de ellas, a un género cinematográfico diferente. Además está considerado un adelantado a su tiempo tanto por sus innovaciones técnicas como por sus temáticas.

Sin duda la influencia de su trabajo, en directores posteriores, no ha sido todavía valorada lo suficiente.

Yo adoro a este excelente director porque los buenos ratos que he pasado con su cine me han ayudado a mejorar, desde el fondo de mi alma, y siempre lo recuerdo, lo admiro y reviso sus películas.

Si te apetece,además, puedes ver este pequeño trabajo que hice en el 2010 y que en la actualidad forma parte de mi colección de videos de Youtube.

KAZAN: UN GENIO DE LA ESCENA

ELIA KAZAN: Nace en Capadocia, actual Turquía en 1909 y fallece en Nueva York en 2003. Era hijo de un vendedor de alfombras que emigra con su familia a EE UU en busca del "sueño americano" como tantos otros.
Ya en su juventud se siente atraído por el teatro y comienza los estudios de interpretación en la Universidad de Yale; pronto forma parte de un grupo de teatro de corte experimental que monta una serie de obras de Arthur Miller.
Kazan como destacado representante de este grupo teatral toma la iniciativa de crear junto a dos compañeros el Actor´s Studio que tendrá una importancia capital, a partir de ahora, en la formación de la mayoría de los actores más importantes de la época como Marlon Brando, Paul Newman o Geraldine Page entre otros cientos de actores y actrices que han llenado las pantallas del Hollywood más espectacular de estos años. Esta mítica escuela de actores puso de moda el llamado método Stalisnavski que consiste básicamente en hacer que el actor experimente durante la ejecución del papel emociones semejantes, parecidas a las que experimenta el personaje interpretado.

Kazan, además comienza a dirigir películas con un éxito muy grande. Pronto recibe su primer Oscar y sigue dirigiendo películas que están en la mente de todos como Un Tranvía llamado Deseo de 1951, Viva Zapata de 1952, La Ley del Silencio de 1954 ó Al Este del Edén de 1955, entre otras.

Pero, desde luego, la obra maestra, cumbre de toda su carrera, es para mí, América, América de 1963. Esta gran película, parcialmente autobiográfica, está repleta de sensibilidad y emoción y  cuenta las razones de la emigración y lo duro que es conseguir llegar al lugar de destino de un emigrante. Seguramente es una de las películas menos vistas de su filmografía y es, por tanto, la que yo aconsejo ver con la vehemencia propia que ya se me supone.

"Kazan nos cuenta la historia de su propia familia (empieza con una voz en off en primera persona) y lo hace con una película muy arriesgada en blanco y negro, con actores desconocidos y una realización

completamente alejada del academicismo hollywoodiense. Por tanto no es una cinta al uso visualmente, en el empleo de la técnica, ni en el ritmo narrativo. Hay momentos en que ni siquiera parece norteamericana."(parte de una crítica de FilmAffinty)

Kazan también fue un reputado escritor y, siempre, obtuvo el éxito de crítica  y de público. Pero en medio de tanto éxito y de tanta aceptación por parte de todos ocurre un hecho que marcará, para siempre, su trayectoria, tanto personal como profesional. El senador Mcarthy lo cita a declarar ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas y Kazan (antiguo militante comunista) no le tiembla la voz al delatar a muchos de sus antiguos camaradas y en esos dias, muchos de ellos viviendo de la industria del cine como él.

 Ya todo el resto de su vida Kazan vivió con el estigma de ser considerado un chivato, entre sus compañeros, e, incluso, cuando le conceden un oscar honorífico a toda su carrera, muchos compañeros de profesión se niegan a aplaudir al que fue un genio en su profesión. 
Un creador de la puesta en escena, un precursor del cine que pronto llegará con directores como Coppola o Kubrick, el creador del Actor´s Studio con los actores y actrices que a todos nos han hecho soñar y, todo gracias a Kazan, el padre del cine moderno... 

Todo lo que se diga sobre la importancia de Elia Kazan siempre será poco, pero nunca dejará de ser Chivato pero Genial como destaco en este video que realicé en 2010 y que hoy te ofrezco.

VIDOR : PASIÓN POR EL CINE

KING VIDOR: Este nieto de emigrantes húngaros nace con el cine (1895) en Texas. Su familia, que consigue enriquecerse con el negocio de la madera pronto se empobrece y Vidor, ya en su juventud, debe comenzar desde cero. Se dedica a vender periódicos por las calles hasta que conoce a otro joven que inventa una especie de cámara

tomavistas con la que ruedan los destrozos de un huracán en su ciudad. Consiguen vender esta filmación y Vidor es contratado para hacer pequeños trabajos de producción en el incipiente cine mudo. Antes de eso trabaja como portero y más tarde como proyectista en el único cine de su ciudad. Cuenta en sus memorias que, más tarde se traslada a Hollywood y que, cada día, irá a pedir trabajo como actor, si no lo había se presentaba como figurante para la película Intolerancia. De esta manera podía ver de cerca como realizaba su trabajo uno de los genios del cine (Griffith). 

Al poco tiempo Vidor consigue trabajar como realizador para llevar a la pantalla un guión que él mismo había escrito. Este primer trabajo tiene cierto éxito y después de algunos trabajos menores le encargan realizar El Gran Desfile de 1925. Una película muda en la que retrata la fatalidad con la que el ciudadano medio acepta ir a la guerra. 
El éxito fue tan grande que los 250.000 dólares de inversión se convirtieron en unos 15 millones de dólares de beneficios. A partir de ahora los historiadores de la época

tendrán muy en cuenta este trabajo y se pondrá de moda la realización de películas sobre guerras, aunque Vidor cuenta que en su película primaba la relación de la pareja protagonista y el tema de la guerra quedaba en un segundo plano.

La siguiente película muda que Vidor realiza es Y el Mundo Marcha de 1928. Película diferente a los melodramas de la época y a las películas de aventuras. " Me imaginé, cuenta Vidor, a un hombre como otro

cualquiera, un hombre de la calle que pasa por la vida y observa que a su alrededor las cosas tienen mucho de drama. Nace, va al colegio, se hace mayor, se pone a trabajar, conoce a una chica, se enamora, se casa, tiene un hijo, necesita más dinero, tiene otro hijo...Tal vez tiene mala suerte, le ronda la tragedia,; quizás, por el contrario, le sonríe la fortuna y es feliz...Finalmente muere".

Con el cine sonoro Vidor realiza un dramático musical sobre la vida de los negros titulado Aleluya de 1929. Esta película se considera muy original por los movimientos de cámara y, además, supera con creces al Cantor de Jazz aceptado como el primer film sonoro-musical de la historia.
 
Con la llegada de la Gran Depresión King Vidor realiza una pèlícula titulada El Pan Nuestro de cada Día de 1934, en la que, con sumo tacto para no ser tachado de "socialista", defiende las ventajas de las cooperativas en tiempos de crisis. El film es un bello canto, coral y épico, al hombre y a la tierra. De un preciosismo realista con

frecuencia estremecedor es, además una película plagada de exquisitas imágenes que escalonan la acción como una sucesión de bellos cuadros que, en el fondo, recuerdan la forma de rodar de autores rusos como Eisenstein.

 En el año 1937 Vidor realiza un melodrama que pasará a la historia del cine por la interpretación de su protagonista femenina, Barbara Stanwick. El film se titula Stella Dallas y trata sobre la diferencia de clases que es, a veces, insuperable y capaz de

romper cualquier relación. Sólo una actriz de esta categoría está capacitada para llevar a buen término un guión como éste. Al final de la película uno se pregunta dónde termina Stella y dónde comienza Barbara en esta sublime interpretación.

Ya en la década de los años 40 King Vidor realiza tres películas con las que pasará a la historia del cine por derecho propio (si es que no había pasado ya con su obra anterior). Una es Duelo al Sol de 1946. Un western que David O. Selznick, el productor más importante de la época, encarga a Vidor para que realice con su esposa, la gran actriz Jennifer Jones. Es éste un film pasional en el que la sensualidad de la mestiza

protagonista lo envuelve todo. Por la atracción tan enorme que los dos hermanos protagonistas sienten hacia ella llegará el drama. La eficaz y siempre magistral dirección de Vidor evita que se note mucho la influencia del esposo productor que trata de que la película se parezca, lo más posible, a Lo que el Viento se Llevó. Hoy dia este melodrama de amores enfrentados está considerado un film de culto que cualquier aficionado al cine no debe dejar de ver.
Otra película es El Manantial de 1949.  Una película sobre el individualismo enfrentado  a las modas o "al dejarse llevar". En ella, un apuesto Gary Cooper que borda el papel de arquitecto vanguardista, lucha contra las tendencias arquitectónicas del momento

mientras tiene un tórrido romance con la bella protagonista, Patricia Neal. Esta película es un atípico melodrama rodado por Vidor con la pasión y pulso narrativo que lo caracterizan. Nunca olvido la primera vez que ví esta película ni la profunda impresión que dejó en mí. Si este trabajo sobre Vidor te anima a ver alguna de sus películas, por favor elige ésta: no te arrepentirás de tu elección.
Y la tercera es Paso al Noroeste de 1940. Una película épica sobre los rangers americanos, rodada en espacios naturales. Es una vigorosa obra de aventuras en el paisaje del western, que posee el aliento de la gesta, no exenta de sus aspectos crudos y sombríos. Un notable guión que en su

momento sorprendió por esa descarnada inmediatez, y con una admirable fotografía de William Skall y Sidney Wagner. Otra de las grandes obras de King Vidor, pionero del cine que sabe retratar el espiritu pionero con un sentido tan realista como exultante, que ya es raro de ver hoy en día.

La Pradera sin Ley de 1955 es un western extraordinario con Kirk Douglas como protagonista que está hecho a la manera del director, es decir, eliminando del género del Oeste la leyenda idílica del viejo colono que se asienta en la tierra prometida; en su cine no aparecen las masacres de los indios,

aunque justamente defiendan su territorio. A King Vidor le importaba insistir en las luchas internas de los antiguos colonos, empeñados ya en definir su territorio, en impedir que otros hombres penetren en él. Surge la cerca como medio de persuasión, y, tras ella, los pistoleros a sueldo que olvidaron sus ambiciones para servir a un poderoso. En este contexto es en donde se desarrolla la película y en la contienda que tienen los pequeños propietarios de tierras que son  agricultores  frente a los grandes latifundios de los ganaderos. 

King Vidor aún rodará a finales de la década de los años 50 Guerra y Paz, basada en la

gran obra de Tolstoy y la histórica Salomón y la reina de Saba y decidirá retirarse no sin hacer algunos cortos experimentales.


En Hollywood, teóricamente escaparate de la ideología del individualismo, los verdaderos individualistas, como King Vidor, nunca estuvieron bien vistos. Se les respetaba, pero los jefes y capataces de los estudios preferían, salvo contadas excepciones, a la gente gregaria y obediente, a los guionistas a la orden, a los directores amanuenses, a los actores sumisos. Con los otros había que tener cuidado. Y con King Vidor, fiero individualista y cineasta difícil de encasillar, lo tuvieron, y mucho.Por eso los homenajes le llegaron años más tarde.

 King Vidor fue uno de esos directores que sentó las bases de lo que hoy se considera lenguaje cinematográfico y consiguió que el cine fuese negocio pero también arte y pasión contenida.  Considerado uno de los pioneros del séptimo arte yo nunca olvidaré un ciclo bastante completo que TVE emitió sobre su obra (entonces la tele hacía estas cosas, ¿por qué hoy no lo hace?) y que hizo de mí su mayor admirador. Gracias a él, decidí comenzar mi colección de cine, entonces en VHS. Colección que todavía continúo con la misma pasión que puso el maestro Vidor.